Questa mostra inaugurale di screendance di artisti affermati ed emergenti vanta una collezione di opere provocatorie provenienti da tutto il mondo, che spaziano da esplorazioni giocose a dichiarazioni che mettono al centro la giustizia sociale e la condizione umana.
Inoltre, lunedì 17 luglio alle 13.30, si terrà un Q&A con l'artista del Dance Italia Film Festival Silvia Giordano presso Motore592.
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*no arance per favore, abbiamo un'allergia nella nostra popolazione Dance Italia
Questo evento è finanziato in parte da un premio del College of Arts and Sciences International Initiatives dell'Indiana University. Curatela: Elizabeth Shea, professore e direttore di danza contemporanea dell'Università dell'Indiana.
ARANCE FRESCHE NELL'OCEANO
Ideazione, coreografia, regia: Silvia Giordano (Italia)
Fondendosi e intrecciandosi con la natura, tre giovani ragazze creano una narrazione metaforica e visionaria della loro condizione attuale e delle loro proiezioni verso il futuro. Attraverso la loro leggerezza, il disorientamento, la vitalità e la forza, intraprendono un viaggio coreografico affrontando alte e basse maree, turbolenze e contraddizioni, calma e agitazione. Guidate da domande assurde, le arance riflettono il percorso dei protagonisti nel loro delicato passaggio all'età adulta e ci guidano in una riflessione poetica sulla nostra vita.
Silvia Giordano è coreografa, autrice e regista italiana. Si è laureata in Coreografia presso Codarts & Fontys in Olanda e ha conseguito un dottorato di ricerca in Gestione dei Beni Culturali. La sua ricerca si occupa di praticare l'intuizione nella pratica coreografica e naviga tra l'artigianato controllato e la reattività giocosa delle partiture visive. Si muove al di là delle divisioni e tra le discipline, combinando scrittura, danza e opera, narrazione e cinema, paradossi e realtà. È attiva anche nel campo del management culturale e della curatela di danza e ha finanziato il suo progetto La Cap | Re-Hub, un aggregatore di pensiero e movimento per creativi e professionisti con sede in Toscana.
Danzatori: Eduarda Santos, Noemi Calzavara, Reiko Ohta"
Video Director: Nuanda Sheridan
Dop& Filmmaker: Sofia Quercetti
Color grading: Sofia Quercetti
Musica: Giorgos Gargalas
Testo: Silvia Giordano
Montaggio: Silvia Giordano & Nuanda Sheridan
Produzione: La Cap | Creative Re-Hub
Ph: Nuanda Sheridan & Sofia Quercetti
SCALA VORTICOSA TRA
Direzione: Maurits Boettger (Germania)
WHIRLING LADDER | BETWEEN è una produzione di danza di YIBU DANCE. Non solo mostra l'avvincente interazione dei corpi umani, ma anche l'indissolubile connessione tra il corpo e lo spazio-tempo e, in ultima analisi, tra la danza e lo spettatore, intrecciando con precisione artistica i principi dell'arte marziale cinese - il Wing Chun - e la geometria delle coppie di basi del DNA. Il film cattura i dettagli di questa performance teatrale con gusto ed emozione, mostrando il proprio carattere e le proprie affermazioni in modo chiaro e minimalista.
Maurits Boettge Il tema centrale del mio lavoro è il tempo, che per me è sia contenuto che mezzo. Nel mio lavoro, per lo più concettuale, affronto il tema da diverse prospettive: A volte dal punto di vista economico, ad esempio attraverso la vendita del tempo. A volte sensualmente, cambiando la percezione del tempo attraverso la sincronizzazione del battito con altre persone. A volte negando il progresso, aspettando o rompendo semi di girasole, e attualmente soprattutto ricercando la temporalità e la finitezza delle opere risultanti. Sono spinto dalla domanda sulla mia responsabilità nei confronti del mondo e dei posteri, che emerge attraverso i miei interventi (artistici).
Coreografia, danza, costumi, luci: Chun Zhang e Kai Strathmann
Composizione: Kai Strathmann
Ideazione e videografia: Maurits Boettger
Nota speciale di Chun Zhang: Maurits è scomparso dal 03.2023 su un'isola spagnola chiamata El Hierro. Dopo questa tragedia, siamo ancora più felici che il suo lavoro possa essere visto e diffuso.
https://www.instagram.com/yibudance/
https://www.facebook.com/yibudance
FLUSSO DI GHIACCIO
Regia, coreografia e performance: Jody Sperling (USA)
Regia, coreografia e performance: Jody Sperling (USA)
Nel 2014 ho avuto l'opportunità unica di partecipare a una missione scientifica polare nel Mare di Chukchi come primo coreografo in residenza a bordo del rompighiaccio Healy della Guardia Costiera statunitense. Sono stata invitata dall'oceanografo di Woods Hole Robert Pickart come parte di un team di sensibilizzazione sulla comunicazione della scienza del clima. Durante il viaggio, ho danzato sul ghiaccio marino in una dozzina di postazioni. Le riprese di queste esibizioni sul posto sono state montate in questo cortometraggio da altri membri del team WHOI. I miei movimenti sono stati concepiti per suggerire una morfologia in sequenza temporale della formazione e della dissoluzione del ghiaccio. La musica è un remix delle prime registrazioni sub-ghiaccio provenienti dalle regioni polari. Il costume è ispirato a una fotografia della formazione di ghiaccio nelle prime fasi di vita nella stessa regione in cui stavo ballando.
Danzatrice-coreografa con sede a New York, Jody Sperling è fondatrice e direttrice di Time Lapse Dance. Ha creato oltre 50 opere ed è la principale esponente dello stile della tecnologa Loïe Fuller (1862-1928). La Sperling ha ampliato il genere della Fuller nel XXI secolo, impiegandolo nel contesto di forme di performance contemporanee ed ecologiche. Sperling sta sviluppando un'indagine chiamata ecokinetics che coltiva la relazione tra i movimenti umani e i sistemi ecologici, forgiando al contempo strategie per un'arte impegnata sul clima.
Montaggio video: Ben Harden & Amanda Kowalski
Telecamera: Frank Bahr, Pierre Coupel & Jody Sperling
Musica: Beo Morales & Brooks Williams
Costumi: Mary Jo Mecca & Gina Nagy Burns in collaborazione con Jody Sperling
Costruzione dei costumi: Mary Jo Mecca | Pittura dei costumi: Gina Nagy Burns
Un ringraziamento speciale alla National Science Foundation e all'intero equipaggio e gruppo scientifico del HL1401, in particolare a Robert Pickart, Chris Polashenski, al team di Takuvik, al BMCM Tim Sullivan, all'Executive Officer Stanclik e al Capitano Reeves.
ALIENAZIONE
Concetto e performance: Ssempijja Robert (Uganda)
Per comprendere a fondo il suo progetto, è fondamentale approfondire la conoscenza della città in cui è nato: la capitale ugandese Kampala. La città conta oltre 4,4 milioni di abitanti ed è il cuore economico di un Paese che ospita ben 56 tribù e la cui popolazione è in rapida crescita. La città si estende su 176 km2 a nord del Lago Vittoria. Prima della colonizzazione, le sette colline di quest'area erano le riserve di caccia del re di Buganda. Sotto la dominazione britannica, nel 1945 l'urbanista tedesco Ernst May fu incaricato di progettare una città, per la quale si ispirò al modello della città giardino. Creò una città in cui ogni collina aveva un proprio centro ed era circondata da ampi terreni agricoli. Sebbene Kampala abbia da tempo superato il nome di "città delle sette colline", queste ultime rivestono ancora un'importanza cruciale per la città e hanno anche punti di riferimento unici di valore religioso, culturale e coloniale. Come in molte altre città africane moderne, Kampala è stata progettata in un contesto di segregazione razziale, con una netta separazione tra i governanti coloniali, la popolazione asiatica e le popolazioni indigene.
Il film di Ssempijja fa parte del suo progetto di ricerca "Alienation", che consiste in quattro capitoli: un film di danza, un'installazione artistica, un saggio e una performance che sta sviluppando. Il progetto è una ricerca del vero significato della parola "casa". Il cerchio nel film simboleggia la città, mentre la terra rossa rappresenta la terra e le persone che la abitano. Le mura di cinta rappresentano il confine. I nomi delle strade si riferiscono al progetto di Ernst May su Kampala. Al centro c'è una collina che simboleggia il luogo in cui vivevano i governanti coloniali. Il film di danza registra come il pubblico si muove tra le mura e il cerchio. La proiezione sui muri li rende gli esclusi dal cerchio centrale della città. 'Alienazione' riguarda i confini e le strutture artificiali o imposte e, per estensione, l'esclusione in tutte le sue forme. A causa delle origini coloniali dell'architettura urbana di Kampala, Ssempijja non si è mai sentito veramente a casa. Dopotutto, come possono le persone sentirsi a casa in una città che non è stata costruita da o per loro?
Robert Ssempijja è un artista contemporaneo e ricercatore di danza ugandese che ha sviluppato una carriera attraverso esperienze formali e informali. La sua pratica è segnata dalle epoche del post-colonialismo e della decolonizzazione. Il lavoro di Ssempijja è composto da progetti di ricerca che si traducono in film di danza, installazioni e performance che espongono le opere in spazi tradizionali e non. È alla ricerca di "una pratica artistica rigenerativa" che si allontani dalle relazioni di sfruttamento. Attraverso le sue creazioni, crea un ponte tra il passato distorto e il presente digitale. Creare espressione attraverso l'interazione di vari elementi, come le esperienze interne ed esterne che collegano il corpo fisico, il mondo psicologico della mente, le emozioni umane e l'anima, è la sua estetica artistica. Premi e riconoscimenti Pick-of-the-Fringe Award 2020 di Jomba! Contemporary Dance Experience (ZA), Tuzinne Award 2017 della Mambya Performing Arts Foundation (UG), residenze PACT 2022 (DE), Camargo Fellowship 2022 (FR) e Pina Bausch Fellowship For Dance And Choreography 2022 (DE) 2018 Artist in residency Denison University, Ohio, US.
Regia: Direttore Teflon
Scenografia: Ssempijja Robert e Tebandeke Joseph
Musica: Öz Kaveller (Germania)
Costumi: Moda IGC (Regno Unito/Uganda)
YURODIVY
Direzione: Ryan Renshaw (Australia)
Basato sulla leggenda di Sisifo e utilizzando la voce dell'ultimo filosofo Alan Watts, Yurodivy esplora l'incessante ricerca di ricchezza e felicità da parte dell'uomo contemporaneo.
Ryan Renshaw è un affermato e pluripremiato regista cinematografico e televisivo con sede a Brisbane, in Australia. La sua carriera è iniziata negli anni '90, quando ha lavorato come regista per MTV in Australia, negli Stati Uniti e in America Latina. Ha realizzato più di 80 video musicali e ha lavorato come direttore creativo per gli INXS. Negli ultimi 5 anni si è dedicato alla Screendance. I suoi 7 lavori di screendance sono stati proiettati in oltre 100 festival internazionali, tra cui il prestigioso San Francisco Dance Film Festival e lo Screendance International di Stoccolma, e hanno vinto il Premio della Giuria al LA Dance Film Festival 2020, il Grand Prix Nuria Font, Miglior film internazionale al Fiver International Dance Film Festival 2021 in Spagna, il Premio della giuria per il miglior film al Zinetika Festival 2020 di Pamplona, San Sebastian e Bilbao, il Best In Show all'Inspired Dance Film Festival di Sydney, il Miglior film al NoWhere Festival di Seoul e il Premio del pubblico per il miglior film all'Inshadow Festival 2020 in Portogallo. Il film più recente di Renshaw, "Sapient", è un film ambizioso realizzato nell'arco di 6 mesi e che ha richiesto centinaia di ore di lavoro sugli effetti visivi. Di recente è stato il vincitore dei migliori effetti visivi all'acclamato La Jolla International Fashion Film Festival di San Diego, negli Stati Uniti.
Coreografo: Kyle Page
Compagnia di danza: Dance North, Australia Società di produzione: KIOSK
LAVORO FANTASMA
Un film di danza di John Jota Leaños e Vanessa Sanchez (USA) Ghostly Labor è dedicato al lavoro essenziale dei braccianti agricoli migranti che curano la terra e forniscono il sostentamento alle nostre comunità.
ONORIAMO LA VOSTRA CONOSCENZA, ABILITÀ E PERSEVERANZA.
John Jota Leaños è un artista mediatico e animatore Mestizx (Chicanx/Chumash) che si concentra sulle convergenze critiche di storia, memoria, spazio sociale e decolonizzazione. L'animazione, l'installazione, l'opera, la performance e i media pubblici di Leaños fondono pratiche ed estetiche tradizionali con nuove tecnologie e riconfigurazioni contemporanee. Il suo lavoro è stato presentato al Sundance Film Festival, allo Short Corner di Cannes, a PBS.org, alla Whitney Biennial, al Museo d'Arte Moderna di San Francisco, al Museo d'Arte Contemporanea di Chicago, al Lincoln Center e in vari altri contesti artistici e pubblici. Professore presso il Dipartimento di Cinema e Media Digitali dell'Università della California, Santa Cruz, Leaños è un Guggenheim Fellow 2012 e Creative Capital Foundation Grantee che ha ricevuto la United States Artist Fellowship, il National Association for Latino Arts and Culture (NALAC) Master Artist Award, il San Francisco Art Commission Individual Artist Grant, il MAP Fund Award e il Creative Work Fund Award. È stato artista residente presso il Center for Chicano Studies dell'Università della California, Santa Barbara, il Center for Arts in Society della Carnegie Mellon University e l'Headlands Center for the Arts. Attualmente è uno Yerba Buena Center for the Arts YBCA 100 Fellow. I lavori video di Leaños possono essere visti su: https://vimeo.com/user2750627
Vanessa Sanchez è una danzatrice, coreografa, educatrice e produttrice chicana che si concentra sulle arti comunitarie e sulle forme di danza tradizionali per dare risalto alle voci e alle esperienze delle donne e dei giovani latini, chicani e indigeni. Con sede a San Francisco, è una Dance/USA Artist Fellow 2019 e la direttrice artistica fondatrice di La Mezcla, un ensemble ritmico che esplora la storia e la resistenza collettiva attraverso la danza del tip tap, lo zapateado messicano e i ritmi afro-caraibici. La sua produzione finanziata dal NEFA "Pachuquísmo", uno spettacolo di tap dance e son jarocho interamente femminile su Pachucas e le rivolte degli Zoot Suit, ha ricevuto il premio Isadora Duncan per la produzione eccezionale ed è in tournée nazionale fino al 2023. Il suo nuovo lavoro "Ghostly Labor", finanziato dalla Hewlett Foundation e dalla NPN, esplora l'eredità del lavoro nelle zone di confine tra Stati Uniti e Messico e la gioia della resistenza collettiva. Con la produzione teatrale completa che debutterà nel novembre 2023, "Ghostly Labor: a Dance Film" è attualmente proiettato in festival cinematografici nazionali e internazionali. Sanchez è stata ospite come artista e conferenziere in sedi e organizzazioni tra cui UC Berkeley, California Institute of Technology, Arizona State University e Gulf Coast Center for Law and Policy. Attualmente Sanchez è artista in residenza presso Brava! For Women in the Arts e docente di danza alla UC Santa Cruz.
Coreografia: Vanessa Sanchez
Performance: La Mezcla: Vanessa Sanchez, Sandy Vazquez, Kirsten Millan, Diana Aburto, Micah Sallid, Javier Navarrette, Pedro Gomez, Elena de Troya, Tanya Benítez e Sharon Benítez
Produzione: Harry Gregory & Sharon Benítez
Montaggio: John Jota Leaños & Harry Gregory
Direttore della fotografia: Elie M. Khadra
Mixaggio del suono: Greg Landau:
ABRACAVALA
Direzione: barbara malavoglia e bianca turner (Brasile)
Abracavala è una celebrazione della libertà, del femminile selvaggio. Un film per aprire le strade:
lei apre le strade, apre le porte, apre il cuore, apre le strade
lei danza libera, batte gli zoccoli, snoda la criniera, scocca le frecce va cavalla aperta, il suo cuore è blu, tutto ciò con cui combatte è nel profondo di sé, arriva così luminosa come i raggi di luce, arriva così forte come la fede nell'amore
Barbara Malavoglia è un'artista di danza brasiliana. Lavora con la creazione, la danza classica indiana (bharatanatyam) e lo yoga. Attualmente intreccia e condivide questi universi nei suoi workshop "Pratiche di vitalità" e nella creazione di opere come Matakala, Abracavala e Asa. Barbara danza come guerra, preghiera, celebrazione e medicina.
Bianca Turner è un'artista che attualmente lavora su installazioni, azioni e interventi audiovisivi, sviluppando proiezioni video e video mapping per il teatro, la performance, la musica e la danza, sempre ispirati dalla soggettività della memoria e dell'atemporalità. Esplora la documentazione dell'effimero, l'immateriale di un oggetto o di un luogo; l'invisibile, il soggettivo e l'indicibile.
danza: barbara malavoglia
edizione e sound design: bianca turner
foto: azul serra
colonna sonora: oniros
costumi: claudia schapira
gioielli: chrissie barban
colore: luisa cavanagh
AS.PHYX.I.A.TION
Scritto, diretto e interpretato da Nadav Heyman (USA)
Attraverso la danza e l'installazione, Nadav esplora il rapporto tra isolamento mentale e fisico. Una collaborazione con Studio 1750 (Corea del Sud) e S.A.C. Art Lab (Thailandia).
Nadav Heyman è uno scrittore e regista di Los Angeles. Il suo pluripremiato film di danza, "as-phyx-i-a-tion", è stato pubblicato dalla rivista Dance Magazine e commissionato dal Correana Museum of Art in Corea del Sud. Nel 2023 ha completato il suo film di danza "Old Man at the Corner Store", che ha vinto il premio del pubblico al Dance Film Festival di Praga e a Dances With Films. Più recentemente, Nadav ha fondato una piattaforma globale per i film di danza su dancefilmmaking.com con l'obiettivo di creare una nuova casa per il cinema di danza.
IG: @nadavheyman
Sito web: nadavheyman.com
dancefilmmaking.com
arte dell'installazione: Studio 1750
produzione: S.A.C. Art Lab
operatore di ripresa: Parinda Mai
operatore drone: Suwijak Deeyai
coordinatore di produzione: Poy Wongyimyong
VFX: Nick Conroy
musica e montaggio: Nadav Heyman
ringraziamenti speciali a Sachin George e Erez Heiman
IL PROGETTO WILYABRUP
Produttore e direttore del movimento: Brenna Day (Australia, Regno Unito) Regia e montaggio video: Steven Alyian (Australia)
Sopra le onde, sotto il cielo, contro la roccia. Muovendosi contro una sconcertante parete rocciosa verticale, sospesi sopra l'oceano selvaggio che si infrange, due artisti danzano con il vento ruggente e l'un l'altro in una celebrazione della connessione umana, della nostra esperienza della natura e della vasta natura selvaggia che è la scogliera di Wilyabrup. Una performance coreografica di due corpi in movimento che sfidano la gravità legati alla parete rocciosa, questa danza verticale inquadra la forma d'arte in una natura veramente selvaggia che mostra la bellezza, la fragilità e la resilienza del corpo umano e dell'ambiente. Girato nella terra di Wadandi, nel sud-ovest dell'Australia occidentale.
Sospesi sopra l'oceano, due artisti danzano con il vento e l'un l'altro in una celebrazione del legame umano e della natura selvaggia delle scogliere di Wilyabrup.
Brenna Day è un'aerialista e acrobata specializzata in aerial hoop e standing on their friends. Trae ispirazione dal suo background scientifico, dal mondo che la circonda e dalle connessioni che si possono creare tra gli artisti e il pubblico. Brenna ha iniziato a praticare il circo a Fremantle, presso il Circus WA, prima di completare la parte di fuga per entrare nel circo nel 2015, quando si è trasferita nel Regno Unito per studiare presso Circomedia. Da allora Brenna si è spostata tra l'Australia e il Regno Unito, esibendosi, insegnando e imparando. Nonostante i 3 mesi di lezioni obbligatorie, è ancora una pessima giocoliera.
Steven Alyian è regista, videoartista, compositore musicale e live performer. È membro fondatore della società di produzione cinematografica Blue Forest. Come regista, montatore e artista degli effetti visivi, Steven ha lavorato a innumerevoli produzioni riconosciute a livello internazionale. Le sue opere artistiche sono esperienze interattive e performative che utilizzano proiezioni video dinamiche, mappature tridimensionali e suoni reattivi. Lavorando a stretto contatto con il gruppo di arte biologica SymbioticA, Steven collabora spesso con il famoso artista australiano Stelarc. Steven organizza eventi pubblici su larga scala che sfidano le norme politiche e incoraggiano un'interazione positiva con l'ambiente naturale. Gli piace collaborare ed esibirsi dal vivo per il pubblico sui palchi, nella natura e negli spazi suburbani dove ci dicono di non andare. Steven è cofondatore del festival musicale Camp Doogs e scrive, registra ed esegue musica come Injured Ninja, Usurper of Modern Medicine, Selfless Orchestra, Doublethink Prism e molti altri.
Interpreti: Brenna Day e Bonnie Blewitt
Montaggio: Steven Alyian
Rigger: Ben Kotovski-Steele Camera: Ben Berkhout e Steven Alyian
Musica: "Walich" di Steven Alyian
E COSÌ DICIAMO TUTTI NOI
Direttore: Mitchell Rose (USA)
52 coreografi internazionali fondamentali si uniscono in una lettera d'amore a catena alla danza. Tra gli artisti in cartellone figurano Ohad Naharin, Mark Morris, Elizabeth Streb, Bill T. Jones, Meredith Monk, William Forsythe e Lucinda Childs. Commissionato dalla Brooklyn Academy of Music.
Prima di diventare regista, Mitchell Rose è stato coreografo. La sua compagnia ha effettuato tournée internazionali per 15 anni. In seguito è entrato all'American Film Institute come Directing Fellow. Dopo l'A.F.I., i suoi film hanno vinto 100 premi di festival. Il New York Times lo ha definito: "Un talento raro e meraviglioso". Il Washington Post ha scritto che il suo lavoro è "nella tradizione di Chaplin, Keaton e Tati - divertente e triste e più della somma di entrambi". Rose si è recentemente ritirato dalla cattedra di cinema-danza all'Ohio State University. Attualmente sta lavorando a tre film, mentre insegna in laboratori di danza online.
Editore: Mitchell Rose
Compositore: Robert Een
Produttore: Pomegranate Arts
Produttore esecutivo: Accademia di Musica di Brooklyn